Artes-Visuales-Anteriores 2011
El arte de Andy Warhol
Gran exposición de grabados originales del destacado artista estadounidense conocido por sus aportes al Pop art.
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Gran exposición del destacado artista estadounidense conocido por sus aportes al Pop art, movimiento que revolucionó la escena artística a fines de los 50 por darle cabida a lo cotidiano, familiar y popular, antes que considerar el arte como una producción meramente intelectual. Los artistas pop se sintieron atraídos por la fuerza expresiva de lo banal, por aquellas cosas fácilmente reconocibles, como por ejemplo un tarro de sopa o una caja de detergente. El arte pop que desarrolló Andy Warhol fue definitivamente norteamericano y reflejó la creciente comercialización y vitalidad de la post guerra. Esta muestra incluye veinticuatro obras originales (pinturas y grabados) de la serie “Mitos” de 1981, de personajes de fantasía de su niñez, y seis juguetes de latón de la serie “Toys”, basadas en su pasión por la colección de estos objetos. La exposición ha sido co-organizada por el Children's Museum de Pittsburgh y The Andy Warhol Museum, uno de los cuatro museos Carnegie de Pittsburgh, Estados Unidos.
Una muestra única e interactiva que presenta un taller de grabado para niños. En la sala del taller, los visitantes experimentan el completo proceso de la técnica de la serigrafía en un ambiente decorado con papel mural diseñado por Warhol, un área de disfraces y un área de lectura. El taller entrega la experiencia de crear un grabado de la misma forma en que lo hacía Warhol con su serie “Mitos”. Luego de diseñar una imagen original en papel de diario, los pequeños artistas la llevan a la mesa serigráfica y los asistentes educativos les ayudan a esparcir la tinta sobre la malla de grabado. Luego, la pieza está terminada y los niños se llevan su grabado de recuerdo. - Horarios_ciclo Lunes a sábado, 10 a 20 hrs.
- entrada general_ciclo liberada.
- sala de cine_ciclo Galería de arte y ex Sala Blanca.
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- Fecha inicio y término 12 de noviembre al 29 diciembre 2011.
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- Descripción de la imagen (alt) Vista general de la muestra
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- Archivo_Titulo_prensa1
- Fuentre_Prensa1 El Mercurio
- Fecha_prensa1 Domingo, 20 Noviembre 2011
Por naturaleza
Obras de Fernanda Briones, Amelia Campino, Josefina Concha, Alejandra Cruz, Pilar Mackenna y Pascuala Lira.
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Ya sea desde la geometría o las formas orgánicas en sus diversas materialidades y grados de abstracción, cada una de estas jóvenes artistas presenta una manera personal de entender y percibir la naturaleza. En un montaje diverso pero coherente, el grupo enfrenta estilos, motivaciones e inspiraciones frente a la frase de Oscar Niemeyer “El universo es curvo”. Curada por Teresita Raffray.
- Horarios_ciclo Lunes a sábado, 10 a 20 hrs.
- entrada general_ciclo liberada.
- sala de cine_ciclo Ex Sala Blanca.
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- Fecha inicio y término 15 de abril al 20 de mayo 2011
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Cuando el silencio se hace piedra
Esculturas monumentales en piedra del destacado escultor nacional Vicente Gajardo.
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Los hechos dolorosos acontecidos hace poco en Chile produjeron mermas humanas y materiales, deterioro del paisaje y destrucción del patrimonio arquitectónico. El desarraigo, deshumanización e instrumentación de la muerte como pérdida de lo sagrado inspira las últimas esculturas en granito de gran formato del destacado artista nacional. Desde una óptica positiva, su intención es acercar al espectador a una interacción con el silencio, el vacío, la ausencia, tallando huecos de cobijo en las piedras como verdaderos espacios de luz para un cuerpo ausente o para sus espíritus.
Vicente Gajardo, escultor de huesos
En medio del clásico paisaje rural de la Región de O’Higgins, a la orilla del río Cachapoal, al lado del pueblo Lo Miranda (fundado en 1577), se encuentra una texturada pirca de piedra con una singular forma saliente. Entre clava y argolla, como un arcaico y enigmático rótulo, anuncia el taller y la casa de Vicente Gajardo. Detrás de esta cinta pétrea, se encuentra el terreno donde el escultor habita y colecciona los granitos que rastrea, selecciona y acarrea desde la cercana cantera de la Rinconada de Doñihue, para realizar sus imponentes obras.
Los talleres de escultores son siempre espacios peculiares, en los que todos los volúmenes se transforman en figuras, y este lugar no es la excepción. El dinámico orden y la compleja organización de las áreas de trabajo que rodean la labor del escultor sugieren que cada detalle sea descubierto como extensión de su obra. La potente luz del cielo y la impregnante pátina de materia calcárea transmutan cada herramienta o mueble en esculturas de Gajardo. El territorio se convierte en un rompecabezas tridimensional, cuyas piezas adquieren un peso visual específico por la precisa colocación de cada objeto en el espacio. Los árboles fueron seleccionados, plantados y podados para enseñar su volumétrica corpulencia, color o translucidez; el conjunto de arbustos fue elegido por sus texturas, armando bajorrelieves; cada piedra o trazo de camino marca y limita sectores dándole un marco a los cuerpos arquitectónicos o a las obras ya terminadas, situadas en estratégicos ejes.
Su refugio o laboratorio está en el segundo piso del taller techado, donde se encuentran las maquetas de estudio sobre una mesa y los libros tapizan los muros. Este espacio sirve de observatorio, proyectando vistas aéreas sobre el parque/taller que contiene los monumentales bloques de granito que han echado raíces, reposando a la espera que madure la visión y el impulso del escultor, para así despertar su fuerza interna, que gravita y se irradia. Y aunque Gajardo, con maestría, ya la adivinó, su actitud es de mucho respeto y modestia, dejando que el milenario material respire y se exprese sin cambiar su ritmo ni armonía original. Conviven así, en sus obras, lo modificado por el escultor con la esencia de la roca en bruto.
El trabajo se realiza al aire libre con una formidable luminosidad, muy necesaria para producir las imprescindibles sombras que irán dibujando el vital mapa cartográfico en la piel del granito, para desarrollar el complejo proceso de desbaste y pulimento. Gajardo no es un escultor modelador, es un tallador de formas y volúmenes; no se sabe si él escogió la piedra por una necesidad superior o la piedra lo eligió a él para tener una formidable voz. Lo que sí se puede aseverar es que está inextricablemente enmarañado con la piedra, o mejor dicho, con los huesos de la tierra, de por vida.
Benjamín Lira
- Horarios_ciclo Lunes a domingo, 9 a 22 hrs.
- entrada general_ciclo liberada.
- sala de cine_ciclo Plaza Central, Centro de Extensión.
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- Fecha inicio y término 24 de mayo al 20 de junio de 2011.
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- Descripción de la imagen (alt) escultura en gran formato paralelepipedos de granito
Relatos de memoria
Obras de Nury González e Isabel Del Río.
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Nury González e Isabel Del Río, artistas de destacada trayectoria, exhiben obras que dialogan interactivamente entre sí y con el público. Los trabajos se piensan y construyen a partir de la memoria de obras anteriores, de gestos mínimos y silenciosos.
- Horarios_ciclo Lunes a sábado, 10 a 20 hrs.
- entrada general_ciclo liberada.
- sala de cine_ciclo Galería de arte.
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- Fecha inicio y término 8 de septiembre al 27 de octubre de 2011.
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- Archivo_Titulo_prensa1
- Fuentre_Prensa1 El Mercurio
- Fecha_prensa1 Domingo, 23 Octubre 2011
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- Archivo_Titulo_prensa2
- Fuente_Prensa2 Las Últimas Noticias
- Fecha_prensa2 Domingo, 18 Septiembre 2011
Manga 2011
Exhibición de las obras seleccionadas de este concurso en torno a la creación de personajes bajo el estereotipo del Manga.
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Exhibición de las obras seleccionadas de este concurso en torno a la creación de personajes bajo el estereotipo del Manga o Animé japonés. Participaron profesionales y aficionados mayores de 18 años de edad con imágenes originales, inéditas y sin uso comercial previo.
Estamos inmersos en una sociedad que se alimenta de elementos de consumo masivo. si a este factor se le adicionan las características de la globalización, entonces tendremos elementos de consumo de muy diversa índole y nacionalidad. en los años ochenta, noventa y principios del siglo 21, diferentes aspectos de la cultura japonesa han encontrado un eco en la cultura chilena, principalmente en la juventud. Tal es el caso del cómic japonés, denominado ManGa, el cual ha generado un gran número de seguidores, tanto de consumidores como de creadores.
Esta exposición busca presentar algunos trabajos de artistas nacionales, atendiendo el tema del diseño de personajes, ya que es este aspecto el primero en ser observado por quienes admiran este tipo de arte de consumo.
Manifiesto del proyecto
Un dibujante busca la manera de crear sus obras. Busca su identidad. Necesita sentirse cómodo con lo que hace. Pero no logra encontrar lo que busca en su entorno natural. Inmerso en un mundo global, busca en otras partes. Durante su búsqueda, encuentra algo novedoso… el manga japonés. Sus elementos gráficos, sumados a la muy particular cultura de Japón, logran despertar su creatividad y le dan una dirección con la cual se siente cómodo. Decide entonces investigar.Comienza su consumo de material y un proceso de imitación se hace presente, con el objeto de hacer suyo lo que tanto le atrae. Durante este proceso, incluso, trata de ser japonés, convertirse en uno más de los que crean, desde tan lejos, ese material que le ha liberado de su incertidumbre. Quiere ser un dibujante de manga, quiere convertirse en un mangaka.
No es sino cuando finalmente descubre aquello que necesita, que comienza su camino personal, donde busca su propia identidad, basándose en aquello que tanto disfrutó, en esa forma de arte tan especial y enigmática. En ese momento “nace” un nuevo tipo de dibujante de manga. El dibujante es chileno. Su cultura es chilena. Se convierte entonces en un mangaka chileno, y su obra, en manga chileno.
Jorge Appelgren
Curador - Horarios_ciclo Lunes a sábado, 10 a 20 hrs.
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- sala de cine_ciclo Galería de arte.
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- Fecha inicio y término 20 de abril al 27 de mayo de 2011.
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Patricia Ossa
Sugerentes espacios de color y una serie de retratos en óleo componen la propuesta de la artista.
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Cerca de veinte óleos sobre tela de diversos formatos conforman la última producción de esta destacada artista nacional. Sugerentes espacios de color y una serie de retratos componen su propuesta a ser presentada en la Sala Blanca del Centro de Extensión.
La exposición tiene dos núcleos temáticos. El primero corresponde a una serie de alrededor de diez retratos de pequeño formato cuya fuente de inspiración se basa en las obras del famoso pintor holandés Johannes Vermeer. A partir de la melancólica dulzura que emana de los rostros de estos personajes, la artista intenta transmitir en su leguaje propio, una nueva interpretación pictórica.
Todo rostro es la expresión y el alma del ser humano, el reflejo de un instante muy particular que, en esta oportunidad se ve materializado en la feminidad de diez sugerentes mujeres.
El segundo núcleo de obras se inclina hacia un concepto diferente. Se trata de una suerte de escenografías que sugieren espacios deshabitados que se doblan y desdoblan entre murallas e inquietantes laberintos. Estos espacios, marcados por el uso del color y un especial tratamiento de la luminosidad, emplean recursos geométricos para sostener en la tela, algo que no son más que recreaciones atmosféricas.
Y es justamente en este punto donde podemos decir que ambas series se unen: en la praxis pictórica, en el hecho de “dibujar” con el pincel, casi como si fuera un lápiz, creando verdaderas texturas que lejos de aplanar la superficie, le confieren un dinamismo y un ritmo muy característico. Así, innumerables capas de pintura van activándose mutuamente, fundiéndose unas con otras para irradiar entonces estos nuevos juegos cromáticos.En ambas series, por otro lado, el empleo de una paleta similar y distintiva, hace del conjunto una manifestación del goce del acto mismo de pintar. La fuerza expresiva tanto de los retratos –que esta vez aportan una pincelada cada vez más suelta- como de los espacios arquitectónicos -más bien contenidos y delimitados- nos llaman, con la misma intensidad, a un permanente estado de contemplación.
- Horarios_ciclo Lunes a sábados, 10 a 20 hrs.
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- sala de cine_ciclo Ex Sala Blanca.
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- Fecha inicio y término 19 de julio al 10 de septiembre de 2011.
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- Descripción de la imagen (alt) Pintura geométrica al óleo
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- Fuentre_Prensa1 Revista Ercilla
- Fecha_prensa1 Lunes, 04 Mayo 2009
Lo inconsolable del cotidiano
Obras de Marcela Duharte y Ofelia Andrades que ofrecen una relectura a la estética barroca como punto de reflexión inicial.
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Proyecto artístico que ofrece una relectura a la estética barroca como punto de reflexión inicial. Andrades despliega óleos sobre tela, a modo de friso, con naturalezas muertas en blanco y negro de utensilios domésticos contemporáneos. Duharte raspa láminas de acrílico transparente con dibujos de ornamentos religiosos que se proyectan como sombras en el muro.
Lo infructífero
Al observar el trabajo que presentan Ofelia Andrades y Marcela Duharte pienso en todo lo que podría escribir y elaboro una lista. El bodegón barroco, el adorno, el gesto, el oficio, el espacio de lo íntimo y lo cotidiano. Pienso al mismo tiempo en la incomodidad que me provocan los textos de arte, en el tedio y agobio que a veces me incitan y en todas las veces en que luego de leer las tres primeras líneas —confieso con vergüenza— los he abandonado por completo. Pienso que estoy hablando demasiado de mí mismo y nada de las obras que me impelen y pienso —en la medida en que voy escribiendo esta misma palabra— que cuando me refiera a ellas, caeré ineludiblemente en lo que quería evitar desde un principio: en los clichés más burdos y las reflexiones más lamentables, en las aspiraciones sabihondas o en apelar a la conmiseración del lector (desespero). Quisiera al menos escribir con honestidad sobre estos trabajos y la pregunta inicial que me suscitan es ¿cómo se realizaron estas obras? No me refiero a la minucia técnica, sino al temple en el que ellas fueron ejecutadas, el cómo más que el por qué de estas imágenes.
Un aire lóbrego emana de los bodegones de Andrades. Aparte de la limitación cromática hay una cierta tristeza en los objetos retratados. Más allá de la tristeza particular, de la sensación infantil y animista que nos provoca un objeto despojado de su uso (sierras que no cortan, pollos que no serán comidos, sino objeto de una melancólica contemplación), creo que hay una tristeza más honda, un desánimo que se cuela tras la huella del pincel, de una aguada displicente: incluso el ímpetu de los empastes se ve teñido por el ritmo refrenado de un temple taciturno. Allí, estas pinturas parecen encontrar su potencia, en la tensión perpetua de un aparente sinsentido: una fuerza abatida, una intensidad distanciada, en suma, una pasión por lo desapasionado.
Algo similar sucede con el trabajo de Marcela Duharte. Existe una contradicción entre la violencia ejercida para mellar la superficie del acrílico transparente y la delicadeza ornamental de las imágenes que conforman, entre una técnica que se ve comúnmente en el rayado procaz y despreciable de los vidrios de los autobuses y el ingreso de la misma al alero dignificante del espacio expositivo. Se requiere de una sucesión de raspados, uno sobre otro, para lograr una cicatriz apenas visible, un gesto invariable, monótono y repetitivo. Ambas obras contrastan en lo aparente: al negro latente de las pinturas de Andrades se opone el rayado casi imperceptible de Duharte y la levedad de las sombras y arabescos que proyecta. Ahora pienso, más que lo íntimo o lo cotidiano, es lo doméstico lo que domina estas obras. Es a través de estas prácticas insistentes —pintura y raspado—, estos gestos vaciados de toda grandilocuencia, que el cuerpo y la presunta desmesura del artista son domesticados.
Vestirse, hacer las compras en el supermercado, formarse en la fila del banco: someterse a una rutina se equipara al quehacer de los trabajos que estas artistas presentan, con la salvedad de que los rituales diarios de domesticación responden a un fin pragmático mientras que los gestos sostenidos y repetitivos que configuraron estas obras aparecen como su oscuro revés, como una exaltación del desánimo, de la contemplación, el goce orgulloso de lo infructífero.
Tomás Fernández.
- Horarios_ciclo Lunes a sábado, 10 a 20 hrs.
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- Fecha inicio y término 3 de junio al 9 de julio de 2011.
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Imagen 1440
