Joaquín Gandarillas infante
artes_visuales-Anteriores 2015
Ruina
Pinturas, esculturas y objetos de Felipe Cusicanqui en torno al ballet clásico y a la figura de la bailarina como símbolo arquetípico.
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La primera vez que fui de visita a las salas de ensayo del Teatro Municipal de Santiago, luego de salir de la clase que se imparte todos los días, Luz Lorca, subdirectora del Ballet de Santiago, me dijo al oído: “¿son lindas, no?” Yo estaba rendido, obnubilado. La música del piano, el retumbar del suelo por los cuerpos… los cuerpos. No podía creer todo el tiempo que tendría que invertir solo en elegir qué me interesaría investigar de todo esto. Era todo belleza, era arriesgado meterse en ese tema. Esos primeros días las palabras de Luz Lorca siguieron resonando en mi cabeza. Ella estaba acostumbrada a ver esos colores y esos cuerpos y esa temperatura siempre calurosa de las salas para que el aire y los músculos se igualaran… “¿Son lindas, no?” No me daba cuenta, en ese momento, de la importancia de esta frase. Era una aseveración. ¿Quién no lo encontraría bello? Si las miras con ojos de niño, son creaturas sobrenaturales.El misterio de la belleza y lo anacrónico de este arte me dieron una tarea de tres años. Fue un proceso arduo. Lograba sentir, con el tiempo, como se desmoronaban, como esas zapatillas de punta terminaban arruinadas al igual que tendones, músculos, ligamentos, huesos. Me enfrentaba a una arquitectura que es cuerpo, belleza y fragilidad y que parecía estar en otra época, en el siempre, en lo que ha permanecido.En plena época romántica, en que la emoción y la melancolía inspiraban a músicos, pintores y poetas, la imagen de la ruina fue una inspiración, siendo utilizada como metáfora del pasado esplendoroso, del ocaso del presente y la incertidumbre existencial del futuro. Frágil pero a la vez resistente, lo que alberga una ruina es siempre misterioso, una suerte de poética ética y decadente, que proyecta lo que fue su gloria como si se tratara una de belleza ensoñada que refleja lo perecedero y fugaz.Fue justamente en 1832, en pleno Romanticismo, donde se creó la zapatilla de punta y con ella la imagen de la bailarina clásica, prácticamente inalterada en su forma hasta la actualidad. Descubrí en estos cuerpos, en estos símbolos, algo que habla de lo ilusorio y de lo real. La escenografía se transforma en cuerpo, la luz en muro, la piel en espacio. La bailarina yergue sus cimentadas piernas como columnas que esconden la gravedad, y pareciera que desde la punta de su pie naciera el suelo. Los dedos orgullosos con uñas siempre pintadas, coronan juanetes bellamente rosados y todo tipo de malformaciones y callos. Y yo me pregunto como siempre, ¿qué es realidad?, ¿la ilusoria puesta en escena o los cuerpos agotados? ¿O todo es uno? Una simultaneidad entre materia y vacío. Es todo dolor y belleza.Esta muestra exhibe una serie de pinturas, objetos y pequeñas esculturas que son el fruto de esta investigación. Los materiales utilizados en la construcción de estas imágenes pretenden mostrar este proceso. Yesos quebrados, arpillera, tablas y gasas muestran una belleza precaria. Lo erosionado de las obras y su piel se desarman y se rearman. Son obras deterioradas, fragmentadas, dislocadas, incompletas, rotas, quebradas, como ruinas. Ruinas que son carne y viento. Tal vez una bella cáscara, un cliché, algo amado por snobs, algo considerado muchas veces anacrónico, frívolo y vano. Pero a la vez es tradición, es humano y se ha mantenido hasta nuestros días como una permanente seducción, un estilo de danza que perdura. Han pasado muchas percepciones sobre ella, pero la que existe hoy es un misterio. Estamos conectados a la belleza de algo que llamamos “clásico”, a algo que encontramos bello como si se tratara de un patrón. Es asombroso el encontrarse ante una ruina, es algo incompleto, un puzle de alguna manera inasible. Algo de eso me pasa ante la imagen de una bailarina.Felipe CusicanquiFelipe Cusicanqui nace en Santiago de Chile en 1977. Es titulado de Arte de la Universidad Finis Terrae con especialidad en Pintura (2004). Desde entonces ha participado en más de veinte muestras colectivas tanto en Chile como en el extranjero y hasta la fecha en siete exposiciones individuales. Entre éstas destacan: “Perro Negro” (2007), Galería Florencia Loewenthal, la cual obtuvo excelente crítica y le valió una nominación a los Premios Altazor; “Lo que presentía mientras holgazaneaba sobre la hierba” (2008), una investigación inspirada en la obra de Walt Whitman que fue ganadora del Fondart. En Galería Patricia Ready “Encomienda” (2009) y “La Siembra” (2011). En Galerie Born Berlín, "Landscape" consolida su emergente carrera y comienza a llamar la atención de coleccionistas extranjeros. Ha participado en ferias de arte nacionales e internacionales y ha sido reconocido con distinciones en concursos y curatorías, como el Premio Bicentenario, III Concurso de Arte Joven del MAVI y el premio AICA (Asociación internacional de críticos de arte). Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas tanto en Chile como en Suecia, Nueva York, California, Brasil, España, Francia, Inglaterra y Suiza. Sus representantes son Galería Patricia Ready en Santiago, Chile y Galerie Born en Berlín, Alemania.
- Horarios_ciclo Lunes a sábado, 10 a 20 hrs.
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- Fecha inicio y término 2 de julio al 14 de agosto 2015
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- Descripción de la imagen (alt) pintura de una bailarina sobre madera
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- Fuentre_Prensa1 Harpers Bazaar
- Fecha_prensa1 Sábado, 16 Mayo 2015
Intervalo 2015
La Facultad de Arquitectura, Diseño y Estudios Urbanos presenta testimonios, proyectos y prototipos de ex alumnos y estudiantes.
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Bajo el concepto “Ayer, hoy y mañana”, la Facultad de Arquitectura, Diseño y Estudios Urbanos UC presenta testimonios de ex alumnos destacados; jóvenes profesionales recién titulados que presentan maquetas y prototipos; y proyectos de estudiantes actuales que especulan sobre soluciones para el futuro.
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- Fecha inicio y término 24 de agosto al 30 de septiembre 2015
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- Descripción de la imagen (alt) personas visitando la exposición
Objetos sobre una mesa
A través de naturalezas muertas inspiradas en el barroco, la artista Rosario Perriello aborda el tema de la comida con materiales como arcilla, azúcar y papel.
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Desde hace varios años la artista nacional Rosario Perriello ha venido experimentando con materiales que le sirvan como medio de interpretación de imágenes, tomando como referencia géneros, temáticas y operaciones pictóricas y remplazando el medio por materiales de desecho. Así, su trabajo ha girado en torno al lenguaje y los significantes, desplazando las lógicas materiales de la pintura con el fin de reflexionar en las relaciones entre imagen y sus modos de representación.El proyecto que ahora presenta comenzó con la experimentación de materiales que se relacionaran con la comida o a la carencia de ésta. La primera relación proviene de una noticia, la cual informaba que durante el año 2009, para paliar la hambruna en Haití, un grupo de pobladores comenzó a realizar una mezcla de aceite vegetal, sal y barro para producir galletas comestibles, que dejaban secar al sol para luego alimentarse de ellas.Perriello comenzó a investigar qué otras relaciones había entre lo no-comestible que se convierte en comida: escuchó historias sobre la sopa de piedras, hamburguesas de frazadas y hasta que las modelos consumían papel con jugo de naranja para no engordar.Siguiendo la relación entre la comida y la imagen artística, la artista llegó a las naturalezas muertas del siglo XVI y XVII, donde encontramos un sinfín de representaciones de escenas de mesas servidas, de desayunos y meriendas. Se interesó, entonces, en crear una tensión entre el barro y lo que las pinturas representaban de manera tan solemne y fastuosa. Investigó escenas barrocas de las pinturas de Adrien van Utrect, también los bodegones clasificados como monochrome banketejs, pensando en que si los objetos eran de barro o greda, podrían ser similares a los que encontramos en aquellas pinturas: platos, panes, limones, higos, copas, frutos. La ausencia de brillo y color proporcionaría una atmósfera alicaída y poco apetitosa a la escena total. Le interesó que el material fuera ése, porque al plantearse el bodegón barroco como modelo, estaría sometido a una representación imposible y difícil.Rosario se fue planteando distintos materiales posibles de acuerdo a la temática de la pintura. Para aquellos de flores podría utilizar material de repostería, ya que existe toda una ornamentación y estetización de los alimentos, especialmente en la repostería que incluso podría relacionarse con el Rococó por el uso del color.En este proyecto se plantea complejizar aún más la traducción de las imágenes, ya que no sólo hay un uso alternativo y experimental de los materiales, sino una construcción volumétrica de los objetos a partir de la información bidimensional proporcionada por las pinturas citadas. Este desplazamiento acentúa el carácter escenográfico de los bodegones barrocos y esa teatralidad extrema la tensión con los materiales experimentados: frágiles, de bajo costo y de una manualidad “menor”.En la exposición se incluyen fotografías construidas con los objetos realizados que forman escenas similares a las que encontramos en las naturalezas muertas. Por ser la fotografía una imagen que se puede manipular en términos visuales, los resultados están más asociados a la publicidad, es decir, imágenes muy limpias, luces y atmósferas controladas que priorizan artificiosamente la precariedad de los elementos dispuestos.El montaje de la muestra está pensado para introducir al espectador en una gran escena conformada por diferentes secciones. En ella, el trabajo atmosférico teatralizado pretende involucrar al visitante en el escenario de la abundancia.Rosario Perriello es Licenciada en Bellas Artes de la Universidad Arcis de Santiago. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas e individuales entre las que se cuenta: “Solo Mujeres”, Mission Cultural Center for Latino Arts, San Francisco; FAXXI, abril 2015; “Dulce patria”, Espacio Nekoe, 2013; “RIPAC”, exposición en el contexto de la residencia, Centro Cultural de Chile en Buenos Aires, 2013; “Alaprima”, Local de Arte Contemporáneo; “Si yo fuera tú, me agregaría”, Sala Gasco, 2012; “Humedal”, Galería Tajamar, Santiago, 2012; “Súper Glue”, espacio de arte YONO, Santiago, 2011; “Paraíso”, Galería Gabriela Mistral, Santiago, 2009; Museo imaginario, Galería Local 2702, Universidad ARCIS, Santiago, 2007; Escenario, Galería Pancho Fierro, Lima, 2006; Naturaleza muerta para una vitrina pública, Galería h-10, Valparaíso; Mímesis, nuevo realismo, Galería Cecilia Palma; Estudio Abierto, Buenos Aires, 2005; Pinturas para intervenir un modelo, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, 2002; 3+1, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago; Figurativa, MAC Valdivia, 2001; y Tapada, Galería Posada del Corregidor, 1998. Obtuvo el primer lugar del concurso Pequeño formato convocado por la Corporación Balmaceda 1215 de Valparaíso. Fondo de las Artes (FONDART) 2002, 2006, 2009, 2010 y 2012. En 2010 fue nominada a la Beca AMA. En 2013 fue seleccionada para realizar la Residencia de investigación y producción de arte contemporáneo RIPAC en Buenos Aires.
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- Fecha inicio y término 7 de octubre al 30 de noviembre 2015
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- Descripción de la imagen (alt) detalle de flores hechas con pasta de azúcar
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- Fecha_prensa1 Lunes, 28 Septiembre 2015
Negroesteka
Exhibición colectiva de cerámica cuyo factor común fue el haber sido trabajadas en color negro.
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Exhibición de artistas nacionales y extranjeros que respondieron a la convocatoria de Revista de Cerámica Esteka para trabajar piezas cuyo factor en común sería el color negro. Una diversidad de tendencias, temáticas, técnicas y temperaturas de quema dan cuenta de la versatilidad de este lenguaje artístico tanto en lo técnico, como en su forma y contenido.Bajo el concepto amplio de lo que es cerámica, se presentan obras en disciplinas tan diversas como el trabajo en porcelana, gres, baja temperatura, raku, quema primitiva, aserrín, quemas de soda, leña, sal y otras.Invitamos a observar con detención las magníficas posibilidades de esta humilde materia, la arcilla, que una vez sometida a temperaturas altas, se transforma en un material permanente.Las culturas más antiguas, al igual que nosotros, usaron y vieron un sinfín de posibilidades en este abundante mineral. Dejaron registro de sus vidas y sus costumbres en pequeñas y no tan pequeñas esculturas y vasijas. Hoy, en Chile, compartimos con ustedes esta tradición milenaria.
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- Fecha inicio y término 11 de diciembre 2015 al 25 de enero 2016
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- Descripción de la imagen (alt) detalle de cerámica negra
Umbrales 2015
Exhibición colectiva de los mejores exámenes de grado de los alumnos recientemente recibidos de la Escuela de Arte UC.
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El desafío de formar artistas visuales en el mundo de hoy no resulta ser una tarea fácil. La pregunta sobre el sentido de cultivar las artes y formar personas en el ámbito de las artes visuales, dentro del contexto académico universitario está siempre presente en nuestra Escuela de Arte, cuya misión, en coherencia con la de nuestra Universidad, es formar agentes de transformación de nuestra sociedad.Esperamos que nuestros egresados lleguen a ser, fundamentalmente, artistas que contribuyan a la construcción simbólico-cultural de nuestro país, por ello, el permanente cuestionamiento y revisión del Plan de Estudios es una tarea continua que nos ha llevado a visualizar una nueva malla curricular para los próximos años.La muestra Umbrales 2015 nos permite tomar el pulso al trabajo hecho tanto por docentes como por estudiantes; por docentes creadores y teóricos en permanente investigación y una generación que ha puesto todo su talento, inteligencia y entusiasmo para llevar a cabo un proyecto creativo singular.Esta es una selección de los mejores exámenes de grado de la Escuela de Arte UC correspondientes al año 2014, cuyas características fueran adecuadas al espacio de exhibición.Felicitaciones a los estudiantes-artistas, agradecimientos al Centro de Extensión UC y a todos aquellos que participan en la formación de artistas en nuestra Escuela de Arte UC.Luis Antonio Prato EscárateDoctor en Bellas ArtesDirector Escuela de Arte UCParticiparon:Sophia Böttinger, Javier Otero, Guiselle A. Llantén, Isidora Gilardi, Magdalena Hurtado, Rosario Alfonso, María José Benvenuto, Josephine Tressler, Claudia González, Rocío Guerrero, Paula Solimano, Fernanda López, Joaquín Henríquezy Joaquín Maldonado.
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- Fecha inicio y término 20 de mayo al 20 de junio 2015
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- Descripción de la imagen (alt) diseño gráfico de la palabra umbrales
Paisajes de estudio
Exposición de Pablo Chiuminatto donde escenifica su constante investigación visual sobre la temática del paisaje.
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Exposición de Pablo Chiuminatto donde escenifica su constante investigación visual sobre la temática del paisaje, porque más que la naturaleza misma, es la representación que otras miradas han creado y recreado a partir éste, lo que estas pinturas estudian.Hay tres órdenes geográficos en nuestro territorio. Hay en el norte un desierto … ‘el orden místico nuestro’. Luego viene la explosión de la montaña, ese gran desorden y esa gran confusión de nuestra Cordillera, lo mismo que los archipiélagos del sur, de una gran fantasía, muy atrabiliaria, loca y desatada… una especie de ‘orden romántico’ en el país … pero el cuerpo de Chile está formado por un valle Central limpio, llano, relativamente ancho, orgánico, continuado, y ese es el ‘orden clásico’ nuestro … el valle que forma nuestro plexo solar.“Algunos rasgos de la geografía humana de Chile”, en Caminando se siembra, prosa inédita de Gabriela Mistral, editado por Luis Vargas Saavedra. Santiago, Lumen, 2013, 29-49.Pablo Chiuminatto (Chile, 1965)* www.pablochiuminatto.comExposiciones Individuales (selección últimos diez años)2015 Centro de Extensión Universidad Católica de Chile, Santiago Chile.2010 Galería AFA, Santiago, Chile.2008 Galería Alberto Sendrós, Buenos Aires, Argentina.2007 Fundación Gasco, Santiago, Chile.2005 Galería Artespacio Santiago, ChileExposiciones colectivas (selección últimos diez años)2014 Blanton Museum, Austin Texas, EE. UU.2011 Museo de Artes Decorativas, Recoleta Domínica, DIBAM, Santiago, Chile.20076ª Bienal Mercosur, Porto Alegre, Brasil.2006 29a Bienal de Pontevedra, OFF/FORA, Museo Pontevedra, España.Colecciones públicasMuseo Fundación Iberé Camargo, Porto Alegre, Brasil; Blanton Museum, Austin, Texas, EE. UU.; Stedelijk Museum Amsterdam, Holanda; Museo Fundación Rally, Punta del Este, Uruguay; Museo de Arte Moderno de Chiloé, Chile.* Pablo Chiuminatto es profesor asociado de la Facultad de Letras de la Pontificia Universidad Católica de Chile.
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- Fecha inicio y término 10 de marzo al 25 de abril 2015
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- Descripción de la imagen (alt) una persona mirando cuadros montados en el muro